Mahler - Sinfonía Nº 9 - Masur

>> viernes, 20 de noviembre de 2009




Kurt Masur: «La identificación profunda entre director y orquesta se ha acabado»

Entrevista publicada en El Cultural, el 17 de julio de 2008

«El gigantismo de la música de Wagner me intimida». Kurt Masur (Brieg, 1927) destaca por una sinceridad poco corriente. Y es que su forma de entender la música pertenece ya a otra época. Lo demostrará mañana, por última vez como titular, con la Orquesta Nacional de Francia en el Festival de Peralada, que comienza el jueves 17 de julio. El músico ha hablado con El Cultural sobre su relación con España y sobre sus preferencias estéticas a la hora de coger la batuta.
Kurt Masur ha dirigido muchas veces en España y se ha dejado querer con todas sus orquestas (Gewandhaus de Leipzig, London Philarmonic, New York Philarmonic), aunque el concierto de Peralada previsto mañana puede considerarse distinto porque es la última vez que el maestro germano, nacido en 1927, comparece como titular al frente de la Orquesta Nacional de Francia. Seis años lleva Masur en el podio de París. Suficientes para haberla elevado al mayor nivel internacional y para haberla inoculado el veneno de Ludwig van Beethoven. De hecho, el programa de Peralada -obertura de Fidelio, sinfonías Quinta y Sexta- no es sino una prolongación de la integral sinfónica y concertística que Masur acaba de realizar en Francia.

–Usted se ha multiplicado en España como pocos directores.
–Es un país que me atrae mucho. Un país en progreso, en evolución. Y eso se aprecia precisamente concierto a concierto. Tenemos que envidiarle a España una red de teatros y de sala de conciertos sin comparación. Y sé muy bien de lo que hablo, porque uno de los pocos reproches que puedo hacer a la experiencia con la Orquesta Nacional de Francia consiste precisamente en no haber tenido una sala de conciertos adecuada, ideal. España es riquísima en auditorios y en vitalidad cultural.

-En cambio, no parece tan rica en orquestas. Usted ha mantenido las distancias. No ha trabajado con ellas.
-Es un problema de tiempo y de compromisos. La agenda siempre ha sido muy restrictiva para hacer otras colaboraciones. He venido con mis orquestas. O con otras que estaban de gira. Es un ritmo del que es difícil salirse. Especialmente si te tomas en serio la idea de la titularidad.

-¿Se refiera a la ligereza con que ciertos directores establecen el vínculo de titulares? Unas semanas de conciertos al año y nada más.
-Está claro que ya no existen los vínculos de una época. No hay esa identificación tan profunda y tan intensa entre el director y la orquesta. No hablo de mí, porque quizá sea de otra escuela o de otra época. Yo entiendo que dirigir es, sobre todo, un ejercicio de responsabilidad. Se requiere conocimiento, honestidad, profundidad. Colocarte en el podio te exige saber de lo que hablas, relacionarte con los músicos partiendo del conocimiento, de la experiencia.

Ensayos y más ensayos
-Y muchos jóvenes directores comienzan la carrera al revés. Enseguida se erigen en personalidades famosas y se ponen delante de grandes orquestas. No vamos a decir nombres.
-Creo que el problema está relacionado con la dimensión comercial de la música. De un modo u otro, las compañías de discos y las propias leyes del mercado construyen personajes. Y los directores no son una excepción. Por eso yo recomiendo a los jóvenes que estudien, que tengan humildad y honestidad. Ponerse delante de una gran orquesta prematuramente significa muchas veces que los músicos conocen mejor la partitura de cuanto pueda hacerlo el recién llegado. Más aún si la referencia que se trae debajo del brazo es la de una grabación discográfica de culto. Claro que hay que escuchar a los maestros del pasado, pero toda la verdad se encuentra en la partitura. Y para desentrañarla hacen falta ensayos, y más ensayos. No se termina nunca de conocer una obra. Nunca.

-A propósito, usted viene de revisitar las sinfonías de Beethoven. Incluso va a dirigir algunas de ellas en Peralada. ¿Cómo ha sido la experiencia de esta integral? ¿Qué ha descubierto esta vez?
-El problema de Beethoven consiste en que cuanto más lo conoces, más difícil te resulta dirigir sus obras. Me ha acompañado toda mi vida. Y creo que es un compositor cuya grandeza estriba precisamente en la proyección de futuro. No sólo es contemporáneo. Será siempre contemporáneo. Volver a sus sinfonías es un ejercicio de humildad. También una manera de encontrar matices y recovecos. Esta vez he profundizado en el plano musicológico, porque el material es de la última edición de Breitkopf y Härtel, y también en el orden de las dinámicas, de las modulaciones, del estilo. Beethoven es un compositor ligado a la eternidad. Tomé conciencia de ello dirigiendo la Filarmónica de Dresde. Interpretábamos la Novena. Y aquel mismo día el hombre pisaba la Luna.

Los cien de Karajan
-De la Luna a la Tierra, usted fue vecino, mediando el Muro, de Herbert von Karajan. Otro beethoveniano obsesivo. Celebramos ahora el centenario de su nacimiento. ¿Cómo era la relación entre ustedes? ¿Cómo se llevaba la estrella de Alemania Occidental con la figura de Alemania Oriental?
-Antes he hablado de música comercial, de mercadotecnia. Y sé que ambos conceptos se le suelen reprochar a Karajan. Pero es una lectura parcial e injusta. Karajan era un director extraordinario. Y, a partir de ahí, podemos discutir sobre otros aspectos. Aunque quizá no seamos los directores de orquesta los más adecuados para hacerlo. ¿Sabe por qué? Pues porque Karajan convirtió al director de orquesta en una estrella. Dio al podio una nueva dimensión. Siempre sin descuidar la música. De hecho, todo el poder y la influencia que tenía los sometía a sus proyectos artísticos y musicales.

-¿Existió el sonido Karajan? O es un mito.
- Sí, existió. Creo que es legítimo utilizarlo para definir la atención estética que Karajan otorgaba a la música. Estética. ése es el término. Habrá quienes le reprochen una falta de desgarro o de gravedad, pero yo siempre he sido un ferviente admirador de Karajan.

-Con permiso de Furtwängler y de Bruno Walter, ¿no?
-Han sido mis grandes referencias.

-¿Toscanini?
-Menos. Fue grandioso, pero tengo la impresión de que su manera de dirigir descuidaba a veces los detalles. Es como salir de paseo a toda velocidad sin darte cuenta de los matices del paisaje, del olor de las flores. A cambio, llevaba la música como pocos a un orden excitante.

-¿Y Mravinsky? Tuvieron ustedes una buena relación.
-Era un genio. Lo invité un día a dirigir la Orquesta de la Gewandhaus. Y me hizo una reflexión sobre lo difícil que le resultaba entenderse con las orquestas que no eran la suya. Establecía con sus músicos una relación íntima. Se entendía con la mirada. Bastaba un guiño. Hemos hablado de estas cosas al principio de la entrevista. Mencionábamos de un modo u otro que la dirección de orquesta no es un show business.

-Ya que habla de relaciones, ¿cómo ha sido este vínculo de seis años con la Orquesta Nacional de Francia?
-Hemos recorrido un camino juntos. Y hemos mejorado mucho. Los músicos y yo mismo, claro. Han llegado profesores jóvenes y se ha ido produciendo el fenómeno de compartir la música. La receptividad del grupo es impresionante. Ha ido desapareciendo el miedo a equivocarse. Mejor aún, se ha superado. Ya no se trata de hacer una sinfonía de manera segura, sino de interpretar la música de una manera persuasiva, fresca, espontánea. Dando la sensación al público de que la están escuchando por primera vez.

La relación con Francia
-Al público y a los públicos. Uno de los mayores éxitos los ha obtenido la Orquesta Nacional de Francia interpretando Bruckner en la Musikverein de Viena.
-En otra época podría parecer un suicidio: una orquesta francesa que osa hacer Bruckner en Viena. Y, sin embargo, las críticas austríacas fueron excelentes. Por eso podemos interpretar y grabar sin reparos la Sinfonía alpina de Richard Strauss.

-Quiere usted decir que se ha superado el estereotipo según el cual una orquesta francesa sólo puede hacer bien la música francesa.
-Completamente. Y hay un testimonio que lo indica. Me refiero a Riccardo Muti. De sus labios ha salido que hace unos años no se hubiera atrevido a hacer Haydn o Mozart con la Nacional de Francia. Y que ahora, en cambio, la encuentra extraordinariamente capacitada.

-Estos seis años también han sido un intercambio cultural, ¿no? Usted mismo se ha responsabilizado de un repertorio, el francés, que antes frecuentaba bastante menos que ahora.
-Puede que en el plano de la programación sí, pero no en mi sensibilidad ni en mis inclinaciones. Tocar cuando era joven al piano la obra de Debussy fue una experiencia fascinante. Tengo la sensación de que el impresionismo francés se relaciona extraordinariamente con la cultura asiática. Sobre todo la japonesa. Me interesa mucho, igualmente, la música de César Franck. Que merece ser rehabilitado y ocupar un lugar más digno.

-En cambio, reconoce usted unos ciertos problemas con Berlioz. ¿A qué los atribuye?
-No es un compositor hecho para mí. O no soy yo un director hecho para su música. Me di cuenta más que nunca dirigiendo la Sinfonía fantástica. Me sentí decepcionado de mi trabajo. Quizá porque esos elementos fantásticos no son de mi mundo. Ocurre algo parecido con el Fausto de Gounod. Para un alemán como yo, Fausto es de Goethe. Puedo escuchárselo a otros colegas, pero no estoy capacitado para hacerlo yo. Me siento incómodo. Y no es una cuestión francesa o no francesa. Tengo problemas con el preludio del III acto de Lohengrin. El gigantismo de la música de Wagner me intimida. No me hace sentir cómodo.

Respeto a la partitura
-Un director debe, entonces, saber limitarse.
-He dicho que dirigir es un ejercicio de responsabilidad. No puede aceptarse todo. Uno mismo debe establecer los límites. Nunca me he prostituido en el podio. Quiero decir que si una obra no me dice nada, o no la siento, prefiero renunciar a ella. Por muy importante que sea. Y no es una cuestión de compositores, sino de obras. Le pongo el ejemplo de Mahler. He grabado con la Filarmónica de Nueva York la Primera y la Novena, pero no las restantes.

-¿Sigue teniendo planes con la Filarmónica de Nueva York? ¿Cómo plantea su carrera a partir de ahora, una vez abandonada la titularidad de la Orquesta Nacional de Francia?
-No me despido de la Orquesta Nacional de Francia ni de París. Voy a dejar de ser el titular, pero, a cambio, me convierto en una especie de director honorario y vitalicio con un calendario de conciertos delante. Quiero seguir haciendo música en París. Y mi agenda está llena de compromisos. La Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Boston, las agrupaciones londinenses y germanas...

-Decía usted que quiere seguir vinculado a París. Después de seis años, ¿cómo se trabaja en Francia? ¿Es tan hostil el ambiente sindical? ¿Ha sido complicado bregar con la burocracia?
-Nada grave ni nada importante. No han existido conflictos. Quizá algún episodio aislado de desencuentro. Creo que la música no debe burocratizarse y que debe existir una cierta flexibilidad. Pero el balance de estos seis años ha sido muy positivo. Nos hemos entendido muy bien.

-Usted contaba a la revista Diapason una anécdota muy divertida sobre su primera relación con una orquesta francesa.
-Fue en 1969, con la que entonces se llamaba ORTF [Orquesta de la Radio Televisión de Francia]. Teníamos delante la Primera sinfonía de Shostakovich. Y hubo un momento en el ensayo en que solicité, como era preceptivo, hacer vibrato en un pasaje pizzicato. El primer violín me dijo que estuviera tranquilo. Que ya lo harían en el concierto. Decidí entonces proseguir el ensayo con gestos y movimientos ininteligibles. Así que un músico se levantó para protestar, diciendo que no entendían nada. Yo le respondí: tranquilos, ya lo comprenderéis en el concierto…

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La Novena de Mahler en una prolija interpretación, lejos de toda afectación, a cargo de la New York Philharmonic y Kurt Masur.

9 comentarios:

Neapa 20 de noviembre de 2009, 6:46  

Yo tengo este cd original porque un amigo mio me lo regaló. mi amigo es quiza el mas mahleriano de colombia o por lo menos de Bogotá donde reside. para el mahler es el musico mas grande de todos los tiempos. este cd hacia parte de su mahlerteca personal y me lo regalo segun le entendi porque no gusto para nada de esta interpretación y como dice kurt mazur que solo ha grabado la primera y la novena, tal vez no le llega la musica de mahler y con toda la razon es mejor no interpretar musica que no se comprende y se vive (no prostiturse musicalmente) que gran comentario sobre todo hoy en dia donde muchos directores famosos lo son precisamente por interpretar de todo....
el comentario va a que de acuerdo con el caso de amigo entiendo que esta 9na es de las interpretaciones mas deficientes de esta sinfonia que existen y x esto yo jamas la quice escuchar. tengo el cd original y jamas lo he colocado por la razon anterior. es que despues de esa novena definitiva de karajan.. para que mas... yo soy de los que cuando encuentro una interpretacion soberbia de alguna obra musical dejo de escuchar otras versiones...
valga aclarar que para mi Kurt Mazur es un grandioso director de orquesta y las grabaciones que tengo de el me parecen formidables.

Fernando G. Toledo 20 de noviembre de 2009, 9:08  

NEAPA:
Me he convencido de que no puede aplicarse el adjetivo «definitiva» a las interpretaciones, por más buenas que sean. Es preferible usar algo así como «modélica», «paradigmática» o directamente «excelente». La Novena debió de ser la sinfonía mahleriana que mejor le «cuadró» a Karajan, y sin dudas la suya es una gran intepretación. Sin embargo, para mí no alcanza el nivel de otras: Giulini, Bernstein con Berlín o, incluso, la pionera de Walter con la WPO. Buenas fuentes me dicen, además, que la nueva de Jonathan Nott alcanza y supera a las mejores.
Ah, eso de tener el disco y no escucharlo... no, no, no me parece.
Saludos.

Aguador 20 de noviembre de 2009, 12:28  

Y no se olviden de la Novena grabada por Georg Solti para Decca, que también me parece muy estimable :)

Saludos,
Aguador.

Fernando G. Toledo 20 de noviembre de 2009, 16:03  

AGUADOR:
¿Cuál de las dos? ¿O las dos?

Fernando G. Toledo 20 de noviembre de 2009, 16:04  

Digo, porque en 1967 la grabó con la London Symphony Orchestra y en 1982, ya en digital, con su Chicago Symphony Orchestra.

Veglio 20 de noviembre de 2009, 19:06  

No conocía muy bien a Kurt Masur. Ya le había escuchado esta Novena. Gracias.

PD. es una impresión mia o no es posible ingresar a Blogger (y a los blogs) desde hace varias horas.

V.

Elgatosierra 24 de noviembre de 2009, 3:51  

Elgatosierra al aparato
Que Kurt Masur es un buen director de orquesta no creo que haya nadie que lo dude, su currículum es bastante sólido (Filarmónica de Dresde, Gewandhaus de Leipzig, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Londres y Nacional de Francia).
Que Mahler no es su compositor favorito es algo que el mismo ha reconocido.
Grabo la Primera dos veces (1992 - Filarmónica de Nueva York y 2005 – Orquesta Académica), la Séptima (1982 - Gewandhaus de Leipzig); esta Novena (1994 – Filarmónica de Nueva York); los Lieder Eines Fahrenden Gesellen otras dos veces (1979 - Gewandhaus de Leipzig con Siegried Lorenz y 1992 – Filarmónica de Nueva York con Håkan Hågegård); y los Kindertotenlieder (1978 - Gewandhaus de Leipzig con Siegried Lorenz).
Creo que los Lieder, en todos los casos, y la Primera, también las dos veces, son lo mejor del paquete, y, con perdón, esta Novena es otro paquete, pero en otro sentido. Creo que no se la creyeron ni Masur ni la Orquesta. Qué pena, se quedaron en la superficie, en el barniz, y no les salió ni brillo.
Si la comparamos con las de Bernstein, cualquiera de las tres, la distancia es quilométrica, y si lo hacemos con la de Walter que cita Fernando, entonces nos encontramos a años luz.
Otras novenas que me gustan mucho, por orden cronológico, son las de: Scherchen (1950); Horenstein (1952 y 1966); Barbirolli (1964); Ancerl (1966); Klemperer (1967); Szell (1968); Haitink (1969); Giulini (1976); Boulez (1995); Zander (1996); y Gielen (1990).
Por desgracia todavía no he podido escuchar la de Jonathan Nott con la Sinfónica de Bamberger que menciona Fernando. Si alguien la tuviera y nos hiciera el favor que pasársela a Fernando nos haría un favor. Si yo la encuentro por aquí en menos que canta un gallo será vuestra.
Salud, paz y una sonrisa por favor.
Elgatosierra

Claudio 28 de noviembre de 2009, 4:54  

Muy buen blog, cuando alqo se hace con pasion siempre sale bien, disfruto de sus comentarios y por supuesto de la musica y los aportes generosos que Ud. nos comparte un abrazo Claudio

James 29 de noviembre de 2009, 8:26  

Gracias.

James

Mozart: Sinfonía Nº 25 - I Mov. - Böhm

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